ROCK AND ROLL

¿QUÉ ES EL ROCK?

El rock and roll es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense (doo wop, rhythm and blues, hillbilly, blues, country y wéstern son los más destacados) y popularizado desde los años 1950.2​ El cantante más popular fue Elvis Presley; su guitarrista más influyente, Chuck Berry; su pianista más importante, Jerry Lee Lewis y sus precursores más destacados, Carl Perkins, Eddie Cochran, Gene Vincent, Little Richard, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly y Bill Haley, entre otros. La expresión rock and roll ya venía utilizándose en las letras del rhythm and blues desde finales de la década de 1930, pero fue el locutor estadounidense Alan Freed quien comenzó a utilizarla para describir el estilo.

HISTORIA

El disc-jockey estadounidense Alan Freed comenzó a transmitir por radio rhythm and blues para una audiencia de diversos orígenes no étnicos. A Freed se le atribuyó ser el primero en utilizar la expresión rock and roll para describir la música que difundía; su uso también se le ha atribuido a Leo Mintz, patrocinante de Freed, quien lo impulsó a difundir ese estilo de música.

La expresión a su vez, fue tomada por Freed de la propia música negra que difundía que solía contenerla en las letras de las canciones, como el tema Rock and rolling (1939) de Bob Robinson, Rock and rolling mamma (1939) de Buddy Holly y Cherry Red (1939) de Big Joe Turner.​ Tres diferentes canciones con el título Rock and roll fueron grabadas a finales de la década de 1940, creadas por Paul Bascomb en 1947, Wild Bill Moore en 1948 y Doles Dickens en 1949. Para entonces la expresión era de uso común en las letras del R&B.​ En 1949 Erline Harris, grabó el tema Rock and Roll Blues, en el que repite constantemente la expresión y que le valió el apodo de Erline Rock and Roll Harris.

El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione el conflicto racial.

Sus inicios combinan elementos del blues, del boogie-woogie, y del jazz, con influencias de la música folclórica Apalache, (hillbilly), góspel, country y wéstern especializado. Suele acreditarse a Muddy Waters como al músico que «pavimentó» el camino hacia el rock and roll.

Hay quienes datan su origen en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley & His Comets, especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock Around the Clock (1954), o con las grabaciones de Elvis Presley en la Sun Record de Memphis donde Elvis, junto a los músicos Bill Black en contrabajo, Scotty Moore en guitarra y Sam Phillips en la consola de grabación, fusionaron el rythmm blues, country y góspel convirtiéndose en precursores del género rockabilly.​ Otros consideran como creador a Chuck Berry o a Little Richard. También es posible que se haya originado con los trabajos discográficos The Fat Man de Fats Domino (1949) Y Rocket 88 de Ike Turner (1951). Entre los músicos destacados de la época se pueden citar a Jerry Lee Lewis, Bo Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Eddie Cochran, Chuck Berry y Gene Vincent, entre otros.

ANÁLISIS MUSICAL:

En sus inicios y en el estado menos evolucionado, el término rock and roll fue utilizado para designar al estilo de rhythm blues más acelerado.

Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos igualmente fundamentales.

El rock and roll sigue la estructura del blues, encontrándose canciones de 12, 16 u 8 compases. El ritmo generalmente está en compás de 4/4 recayendo la acentuación en los tiempos 2 y 4, siendo esta marcada por un agresivo golpe en la caja de la batería en los tiempos mencionados.

La improvisación también juega un papel dentro del género, utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará a ser conocido posteriormente como escala de blues.

CARACTERÍSTICAS

• Uso de la escala pentatónica y de la escala del blues
  

• Formato esencial: cantante, guitarra eléctrica, batería y bajo eléctrico

• Aprovechamiento de los recursos de amplificación sonora a la máxima potencia

• Marcada acentuación rítmica

• Uso de efectos de distorsión

• Uso frecuente de la síncopa

• Canciones estructuradas en estrofa/coro, intercaladas por solos o improvisaciones.

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música rock:

EL RAP

 ¿QUÉ ES EL RAP?

El rap es un género musical que incorpora "rima, habla rítmica y jerga apoteósica",​ que se interpreta en una variedad de tipos, por lo general sobre un acompañamiento musical. Los componentes del rap incluyen "contenido" (lo que se dice), "flow" (ritmo, rima) y "entrega" (cadencia, tono). El rap generalmente se interpreta sobre una pista instrumental , aunque también puede realizarse a capella. El rap hace parte de la música hip-hop, pero los orígenes del fenómeno son anteriores a la cultura hip-hop.

El precursor más temprano del rap moderno es la tradición griot del oeste de África, en la cual "historiadores orales", o "cantantes de alabanza", diseminarían tradiciones orales y genealogías, o usarían sus formidables técnicas retóricas para cotillear o "elogiar o criticar individuos". Las tradiciones de Griot se conectan con el rap a lo largo de un linaje de reverencia verbal negra que se remonta a las prácticas del antiguo Egipto, a través de James Brown interactuando con la multitud y la banda entre canciones. Por lo tanto, las letras y la música de rap forman parte del "continuum retórico negro" y pretenden reutilizar elementos de tradiciones pasadas al tiempo que se expanden por medio de "el uso creativo del lenguaje, los estilos y estrategias retóricas". La persona a la que se considera como creador del estilo de "pronunciar rimas sobre música extensa", que se conocería como rap, fue Anthony "DJ Hollywood" Holloway de Holly Springs, Georgia.

El rap se suele pronunciar sobre un beat, normalmente proporcionado por un DJ, un turntablista, un Beatboxer o una A capela sin acompañamiento. Estilísticamente, el rap ocupa un área gris entre el habla, la prosa, la poesía y el canto. La palabra, que es anterior a la forma musical, originalmente significaba "golpear ligeramente", y ahora se usa para describir el habla rápida o la réplica. La palabra había sido utilizada en inglés británico desde el siglo xvi. Fue parte del dialecto afroamericano del inglés en la década de 1960 que significa "conversar", y muy pronto después de eso en su uso actual como un término que denota el estilo musical. Hoy en día, el término rap está tan estrechamente asociado con el hip-hop que muchos escritores incorrectamente usan los términos indistintamente. No se debe confundir la cultura hip-hop con el rap, cultura que engloba al rap, dado que el hip-hop no es un movimiento musical.

En el rap femenino, Queen Latifah, Missy Elliott, Lil Kim y Lauryn Hill son consideradas las mujeres que dieron a conocer y abrieron las puertas a las nuevas generaciones, así como el romper el esquema de que sólo los hombres pueden hacer rap.

HISTORIA

El verbo inglés rap tiene varios significados, entre los que se incluyen "golpear, especialmente con un golpe rápido, inteligente o ligero", y también "pronunciar bruscamente o vigorosamente: ejecutar un comando". El Diccionario Inglés Shorter Oxford ofrece la fecha de 1541 para el primer uso registrado de la palabra con el significado de "pronunciar (especialmente un juramento) de forma brusca, vigorosa o repentina". Wentworth and Flexner's Dictionary of American Slang da el significado de "hablar, reconocer o reconocer el conocimiento de alguien", con fecha de 1932, y un significado posterior de "conversar, especialmente de manera abierta y franca". Es de estos significados de los que deriva la forma musical de rapear, y esta definición puede ser de un acortamiento de repartee. Un rapero se refiere a un artista que "rapea". A fines de la década de 1960, cuando Hubert G. Brown cambió su nombre a H. Rap Brown, el rap fue un término de argot que se refiere a una oración o discurso, como era común entre la multitud "moderna" en los movimientos de protesta, pero no fue asociado con un estilo musical por otra década.

HIP HOP OLD SCHOOL

Se remonta a sus raíces africanas. Siglos antes de que existiera la música hip-hop, los griots de África Occidental contaban historias rítmicamente, sobre tambores y otros instrumentos. Tales conexiones han sido reconocidas por muchos artistas modernos, "griots" de hoy en día, artistas de palabras habladas, fuentes de noticias y académicos.

El rap de la vieja escuela (1979–84) fue "fácilmente identificado por sus raps relativamente simples" según AllMusic, "el énfasis no estaba en la técnica lírica, sino simplemente en los buenos tiempos", una notable excepción fue Melle Mel, quien preparó el camino para futuros raperos a través de su contenido sociopolítico y su juego de palabras creativo.

LA ERA DORADA

La era dorada del rap (desde mediados de los 80 hasta principios de los 90) fue el período en el que el lirismo del hip-hop pasó por su transformación más drástica: el escritor William Jelani Cobb dice que "en estos años dorados, una masa crítica de prodigios de micrófonos estaban literalmente creándose a ellos mismos y su forma de arte al mismo tiempo "y Allmusic escribe," rimadores como Chuck D de PE, Big Daddy Kane, KRS-One y Rakim básicamente inventaron el complejo juego de palabras y el kung-fu lírico del hip-hop posterior ". Se considera que la edad de oro terminó alrededor de 1993–94, lo que marca el final del período más innovador del lirismo del rap. También marca el inicio de una nueva popularización del Rap que llegará al Pop...

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música rap:

REGGAETON

 ¿QUÉ ES EL REGGAETON?

El reguetón
es un género musical que derivó del reggae en español que es a su vez un subgénero del dancehall, así como elementos principalmente de la música bounce. Es un género musical muy popular hasta hoy en día; que ha llegado a alcanzar sus apogeos máximos durante las décadas del 2000 y 2010.​

Nació en Puerto Rico; surgió a raíz de la popularidad del reggae en español proveniente de Panamá, junto con el hip hop durante los inicios de esa época.

Posteriormente, el reguetón se apartó poco a poco del reggae, pero continuó usando los mismos instrumentos y ritmos musicales pero con diferentes letras y melodías. Esto se debió a que se usaban beats de reggae pero con letras y composiciones diferentes.

Similar a la salsa la cual fue una expresión cultural de la juventud hispana de principios de los años 1970, el reguetón llegó a los Estados Unidos en los años 1990 y 2000 y se ha convertido en un modo de expresión para muchos jóvenes hispanos.

HISTORIA

El reguetón se podría decir que nace de un movimiento cultural y musical entre jóvenes de Puerto Rico . Las raíces del reguetón empezaron en Puerto Rico en los años 1990, cuando instrumentales de reggae en español provenientes de Panamá, estaban siendo fusionados con hip hop en la isla. Durante esta década el género era llamado underground o melaza y tenía líricas explícitas sobre droga, violencia, amistad, amor o sexo. Los jóvenes puertorriqueños comenzaron a fusionar hip hop con ritmos de reggae. La fusión fue muy popular en las discotecas de la isla, caracterizado por sus letras muy fuertes y de lenguaje explícito, esparciéndose poco a poco entre la juventud local. Se trataba de instrumentales de reggae en español, acelerados y utilizando una fuerte y agresiva forma de recitar versos. La popularidad del movimiento del recién surgido reguetón en las comunidades urbanas, se veía latente en la venta y distribución de los récords de la misma y los videos musicales que se producían durante la época.

Muchos de los ritmos usados en el reguetón, surgieron mucho antes que el mismo género, ya que varios géneros del Caribe eran populares en esa época. Durante estos años, tales ritmos llegan a Puerto Rico y se comienza a tocar en las discotecas esta música latina pero en español.​ El rap influyó en gran medida a la mezcla de lo que es el reguetón, sobre todo a través de la improvisación lírical. Las letras improvisadas se ejemplificaron mejor con la música de Vico C.​ A principios de la década de los noventa, esta mezcla de música urbana, conocido como underground es el surgimiento oficial del reguetón. Uno de los primeros sonidos del reguetón fueron los famosos playeros del puertorriqueño Dj Playero, que eran casetes clandestinos con pistas de reggae/rap. El estilo creció desde el mixtape Playero 38 con temas como: Funeral , No te canses y La gente sabe en 1993.

Se extendió rápidamente por toda la isla y con el tiempo se formarían múltiples mezclas, recreaciones y modas de este género entre los jóvenes. Durante los inicios del género, se producía este nueva música en discotecas y suburbios, y la fusión crecía con éxito pero de manera clandestina, ya que era perseguida por las autoridades. El país evolucionó a su modo estos ritmos, mezclando mixtapes de rap con riddims de reggae en español y se convirtió en el comienzo mediante el cual los artistas y estrellas del reguetón se originaron. Además, a principios de esa época, el ritmo de dancehall llamado dembow, interpetrado por el cantante panameño Nando Boom bajo el título Ellos benia, derivado de la canción del mismo nombre (Dem Bow) de Shabba Ranks, fue incorporado en el reguetón boricua y ganó popularidad masiva. Esta caracterización del reguetón, actuó como una forma de establecer un género híbrido, aparte del sonido original de Jamaica.​ En este punto el género despegó y estaba siendo producido e interpretado por artistas a lo largo de Puerto Rico incluyendo a artistas como Daddy Yankee, Big Boy, Rubén DJ, Vico C, entre otros.

CARACTERÍSTICAS

El reguetón ha cambiado durante el proceso de su ascenso y el de los comienzos dista mucho del actual. Mientras que en un inicio se utilizaban las influencias del reggae y el dancehall, en la actualidad se toman elementos del hip hop. Por ello, los cantantes de este género tienen un estilo en vestimenta muy parecido a los de hip hop y el dancehall; una mezcla de ambos. El disc jockey que está a cargo de las mezclas de música es un individuo de vital importancia en este género.

El sonido del reguetón se caracteriza por un estilo recitativo y un ritmo sincopado producido electrónicamente,​ acompañado por diversas melodías, que le sirven de apoyo, este ritmo tiene una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones. El reguetón, como su antecesor, el reggae en español, tiene ciertas características influido por otros estilos que se escuchan en Jamaica y demás islas caribeñas, basándose en sonidos afro/caribeños como el calipso, la soca y otros ritmos antillanos.

Las letras del reguetón se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en el rap, aunque también se puede utilizar en el dancehall. Las letras de las canciones se asemejan a las del hip hop. A diferencia del hip hop, la mayoría de cantantes de reguetón recitan sus canciones con estilo de rap y con partes cantadas melódicamente. En sus letras se puede apreciar como los cantantes del género tratan con asiduidad la temática del placer sexual.

CONTROVERSIAS

Sobre el reguetón variadas críticas apuntan a la influencia nociva del mismo en la sociedad, particularmente a problemas de desarrollo cognitivo en niños que escuchan este género.

Varios músicos han expresado comentarios en contra del reguetón, como el artista mexicano Aleks Syntek​ o el colombiano J Balvin, que criticó con dureza las letras de las canciones de reguetón y trap, que glorifican la cultura de la violencia y el narcotráfico.​ El cantautor cubano Pablo Milanés expresó alguna vez su opinión negativa, al considerar al reguetón decadente, carente de ritmo, y criticó la calidad de sus textos; dijo al respecto: "El reguetón no es música¨

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música reguetón:

INDIE

 ¿QUÉ ES INDIE?

El término “indie” viene de la palabra independiente, y entra en esta categoría toda la música que llega al público por sus propios medios, es decir, sin un sello discográfico que los apoye.

Son grupos que se enfocan en subrayar su propio estilo, mostrando la música que a ellos les gusta crear sin depender de las tendencias globales o de una marca que los encasille en cierto género. Su música podría entrar en la categoría de culto, pues llegan únicamente a esos fans que van más allá de lo comercial. Actualmente existen muchas bandas que tocan este tipo de música, y que gracias a los medios electrónicos y las redes sociales han logrado posicionarse en el gusto de los seguidores de este género.

TIPOS DE INDIE

Música indie jazz

La identidad musical de la música indie jazz es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. El jazz es una familia de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo. El jazz combina innovación y tradición y se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.

Música indie irlandesa

Uno de los principales grupos de la música indie irlandesa que acabaron por convertirse en todo un icono fueron The Cranberries. El grupo cuenta con seis lanzamientos discográficos y cada uno está lleno de himnos que aún identifican a la banda como las mejores para ver en vivo. Su seguimiento es considerado de culto y a voz de Dolores O’Riordan es recordada como una de las más bellas de los 90.

Música indie Islandia

La música indie cuenta con una fuerte presencia en Islandia y uno de sus principales exponentes es el grupo Low Roar, que cuenta con un sonido melancólico que por más raro que parezca te harán sentir en paz contigo mismo. Otro grupo icónico en el país es Agent Fresco, que tiene al cantante Arnór Dan Arnarson como solista y que combina a la perfección todo lo que es el math rock con el pop, además de incluir sonidos metálicos.

Música indie alternativa

La música indie alternativa es un término que engloba a las diferentes modalidades musicales que son contrapuestas a modelos comúnmente aceptados. Este tipo de música no cuenta con rasgos que sean diferenciadores y que la conviertan en un estilo musical único y reconocible, sino que agrupa un gran número de géneros musicales que se alejan de la música comercial e industrial. Entre el gran número de subgéneros que abarca destacan el rock alternativo, el grunge, la música folk o el rap alternativo.

HISTORIA

Su origen tiene lugar en los años 20 cuando las “multis” o “majors” (las grandes discográficas estadounidenses) fueron desafiadas por pequeñas discográficas “independientes”. Éstas, se especializaron en el mercado de blues y jazz. Finalmente debido a la crisis de finales de los años 20 desaparecieron o fueron absorbidas por una de las grandes.

En los años 50 vuelve a resurgir el concepto. La situación en Estados Unidos era la siguiente: las grandes discográficas buscaban compositores y por otro lado artistas para interpretar. Con su propio sistema de distribución se aseguraban que sus canciones llegaran a todos los lugares. Las discográficas pequeñas no tenían estos recursos por lo que era muy difícil competir.

En aquella época American Society of Composers, Authors and Publishers, como nuestra SGAE; no consideraba de buen gusto que la música negra se escuchara en las radios. Así que cualquier canción de blues o jazz que llegara de un sello independiente se censuraba. Ni había cadena de distribución de los discos ni posibilidad de escucharlos, apareciendo así las radios piratas.

Es decir, originalmente el concepto surgió para describir sellos discográficos, pero más tarde,  comenzó a asociarse con la música que producían. De ahí que la música indie englobe tantos géneros musicales y así tenemos el indie pop, indie rock, indie folk, electroindie...

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música indie:

R&B

 ¿QUÉ ES EL R&B?

El rhythm and blues, a menudo abreviado como R&B, es un género de música popular afroamericana que tuvo su origen en Estados Unidos en los años 1940 a partir del blues, el jazz y el góspel.​ Se describió como una música basada en el jazz, movida, urbana y con un ritmo insistente.​ Constituyó la base musical para el desarrollo del rock and roll.

El término ha sufrido desde entonces algunas variaciones de significado. En los primeros años de la década del 1950, se solía llamar rhythm and blues a los discos de blues,​ pasando pocos años después a referirse a un blues eléctrico que incorporaba góspel y soul. En los años 1970, el rhythm and blues se convirtió en un término genérico que incluía la música soul y el funk. En los 80, se desarrolló un nuevo estilo de R&B, alejado ya del original, que pasó a conocerse como "R&B contemporáneo".

En la actualidad es habitual usar el término rhythm and blues (o R&B) para referirse a este último género contemporáneo.

HISTORIA

En su primera manifestación, el R&B fue el predecesor del rock and roll (no son pocos que hasta dicen que la diferencia solo era de nombre) y el tío del rockabilly (al mezclarse con corrientes varias del country). Tiene fuertes influencias del jazz y el jump, además de la música gospel, y no en pocas veces de compases afrocaribeños (ejemplo, el uso subliminal del concepto cubano de la "clave").

Las primeras grabaciones de rock and roll consistían de canciones R&B como "Rocket 88" de Ike Turner y "Shake, Rattle and Roll" de Big Joe Turner, haciendo aparición en las listas de música popular y en las de R&B. "Whole Lotta Shakin' Goin' On", el primer éxito de Jerry Lee Lewis, fue una versión de un tema de R&B que alcanzó el puesto más alto en las listas de música popular, R&B y country.

Los músicos prestaron poca atención a la diferencia entre el jazz y el R&B y, frecuentemente, grababan para ambos géneros. Numerosos artistas de swing (por ejemplo: Jay McShann, Tiny Bradshaw y Johnny Otis) también grabaron música R&B. Count Basie tenía una emisión semanal en directo desde Harlem. Incluso un icono del bebop como era Tadd Dameron estuvo dos años como pianista de Bull Moose Jackson tras establecerse en el bebop. Además, muchos de los músicos para los que Charlie Mingus tocaba jazz eran veteranos del R&B. Otras leyendas fueron Lionel Hampton y Eddie Vinson.

La década de los años 1950 fue la primera del R&B. Coincidiendo con otros géneros como el jazz y rock and roll, el R&B también desarrolló otras variaciones regionales. Algunos artistas notables fueron Fats Domino (con los éxitos "Blueberry Hill" y "Ain't That a Shame"), Professor Longhair, Clarence "Frogman" Henry, Frankie Ford, Solomon Burke, Irma Thomas, Bo Diddley, The Neville Brothers y Dr. John.

DEFINICIÓN Y DESCRIPCIÓN

El escritor y productor Robert Palmer definió el rhythm & blues como "un término global que se refiere a cualquier música hecha por y para los negros americanos".12​ Ha utilizado el término "R&B" como sinónimo de jump blues.13​ Sin embargo, AllMusic lo separa del jump blues por las mayores influencias góspel del R&B.14​ Lawrence Cohn, autor de Nothing but the Blues, escribe que "rhythm and blues" fue un término paraguas inventado por conveniencia de la industria. Según él, el término abarcaba toda la música negra excepto la música clásica y la música religiosa, a menos que una canción góspel vendiera lo suficiente como para entrar en las listas de éxitos.8​ Bien entrado el siglo xxi, el término R&B sigue utilizándose (en algunos contextos) para categorizar la música hecha por músicos negros, a diferencia de los estilos de música hechos por otros músicos.

En la música comercial de rhythm and blues típica de los años 50 a los 70, las bandas solían estar formadas por piano, una o dos guitarras, bajo, batería y saxofón. Los arreglos se ensayaban hasta el punto de no suponer ningún esfuerzo y a veces se acompañaban de vocalistas de fondo. Las partes simples y repetitivas se entrelazan, creando un impulso y una interacción rítmica que produce texturas suaves, cadenciosas y a menudo hipnóticas, sin llamar la atención sobre ningún sonido individual. Aunque los cantantes se comprometen emocionalmente con las letras, a menudo de forma intensa, permanecen frescos, relajados y con el control.

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música R&B:

K-POP

 ¿QUÉ ES EL K-POP?

El K-pop​ es un género musical que incluye diversos estilos musicales como el pop, rap, EDM, rock o R&B, y que se refiere específicamente a la música popular de Corea del Sur, ​debido a que Corea del Norte no posee una industria de música popular con influencia occidental.​​​​​

De acuerdo al Dr. Timothy Laurie, de la Escuela de Comunicación de la Universidad de Tecnología de Sídney: Desde finales de la década de 1990, el éxito de los artistas del K-pop ha atraído una atención mundial sin precedentes a las culturas musicales de Asia oriental. La forma más moderna del género surgió con uno de los primeros grupos de k-pop, Seo Taiji & Boys, que se conformó en 1992. Su experimentación con diferentes estilos de música reformó la escena musical de Corea. Como resultado, la integración de géneros musicales extranjeros se ha convertido en una práctica común de los artistas de este género

El k-pop ingresó al mercado japonés a principios del siglo xxi y rápidamente se convirtió en una subcultura entre los adolescentes y adultos jóvenes de Asia Oriental y del Sudeste Asiático.​ Con el advenimiento de los servicios de redes sociales, la actual propagación mundial de k-pop y el entretenimiento coreano conocido como la ola coreana se ve en América Latina,​ India,​ África del Norte,​ el medio Este,​ y en otras partes de Occidente

Contenido audiovisual

"K-pop" es una abreviación de Korean popular music, en inglés o música popular coreana en español, es un género musical que incluye diversos estilos como la música dance electrónica, hip hop, rock, R&B, etc, y que se refiere específicamente a la música popular de Corea del Sur, debido a que prácticamente no hay una industria de música popular con influencia occidental en Corea del Norte.​ En este país, Corea del Norte, la actividad musical está estrictamente controlada por el gobierno, el cual promueve música con tintes patrióticos, a menudo interpretada por grandes orquestas de trabajadores.

Aunque el K-pop generalmente se refiere a la música popular surcoreana, algunos consideran que es un género que abarca un amplio aspecto de elementos musicales y visuales.25​ El Instituto Nacional de Audiovisual francés define el K-pop como una fusión de música sintetizada, rutinas de baile y ropa colorida de moda.​

Formación sistemática de artistas

Las agencias de entretenimiento en Corea del Sur ofrecen contratos a los artistas potenciales, a veces a una edad temprana. Los aprendices viven juntos en un ambiente regulado y pasan muchas horas al día aprendiendo música, baile, idiomas extranjeros y otras habilidades en preparación para su debut. Este sistema robótico de formación es a menudo criticado por los medios de comunicación occidentales. En 2012, The Wall Street Journal informó que el costo de la formación de un ídolo de pop coreano bajo la compañía S.M. Entertainment es de un promedio de tres millones de dólares.

Género híbrido y valores transnacionales

El K-pop es un producto cultural que caracteriza valores, identidades y significados que van más allá del valor estrictamente comercial.​ Se caracteriza por una mezcla de sonidos occidentales con la visión asiática del rendimiento. Se ha observado que hay una visión de modernización inherente en la cultura pop coreana.​ Para algunos, los valores del K-pop transnacionales son los responsables de su éxito.

HISTORIA

La historia de la música popular coreana se puede remontar alrededor de 1885, cuando un misionero estadounidense, Henry Appenzeller, comenzó a enseñar canciones populares estadounidenses y británicos en una escuela. Estas canciones fueron llamados changga en coreano, y se basan típicamente en una música popular occidental, pero cantados con letras en coreano. Durante la ocupación japonesa de Corea (1910-1945), la popularidad de las canciones changga aumentó con los coreanos para expresar sus sentimientos en contra de la opresión japonesa a través de la música. Una de las canciones más populares de la jornada fue Huimangga (La Canción de la Esperanza). 

Sin embargo, los japoneses tomaron las colecciones de changga existentes y publicaron sus propios libros con letras. El primer disco de pop coreano conocido era Yi Pungjin Sewol (Este tiempo tumultuoso), de Park Chae Seon Lee y Ryu Saek de 1925, que contenía canciones populares traducidos del japonés. La primera canción pop escrita por un compositor coreano es Nakhwayusu (Flores caídas en agua corriente) por Lee Jeong Suk en 1929. A mediados de la década de 1920, el compositor japonés Masao Koga mezcló la música tradicional coreana con la música evangélica que los evangelistas estadounidenses introdujeron en la década de 1870. Este tipo de música se conoció como Enka en Japón, y más tarde en Corea como trot.

Apelación y base de fanes

No todos los fanáticos del K-pop son mujeres jóvenes, aunque la mayoría lo son. En 2012, la revista New York entrevistó a los fanáticos masculinos de Girls' Generation, quienes admitieron que le gustaban el grupo por las apariencias y personalidades de sus miembros, citando la humildad de las integrantes y la amistad hacia los aficionados.

Muchos aficionados viajan al extranjero para ver sus ídolos en gira, y los turistas suelen visitar Corea desde Japón y China para ver conciertos de K-pop.​ Una gira de un grupo de K-pop, consiguió a 7000 fanáticos japoneses volando a Seúl para conocer al trío de chicos JYJ en 2012, y durante el concierto de JYJ en Barcelona en 2011, los aficionados de muchas partes del mundo acamparon durante la noche para ganar una entrada.​ Una encuesta de 2011 realizada por el Servicio de Información y Cultura de Corea informó que había más de tres millones de miembros activos de los clubes de fanáticos.

Un artículo de The Wall Street Journal indicó que el futuro del K-pop será formado por los aficionados, cuyas actividades en línea se han convertido en microempresas.​ Los grupos de K-pop comúnmente tienen fanclubs (club de fanes) dedicados con un nombre colectivo y a veces un color asignado,​ al cual liberan la nueva mercancía.

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música k-pop:

POP

 ¿QUÉ ES EL POP?

La música pop, también conocida simplemente como pop, es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del Pop tradicional, en combinación con otros géneros musicales que estaban de moda en aquel momento.

Los términos música pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.

Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestado a menudo elementos de otros estilos como el urban, el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay elementos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura estrofa-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos, de temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone habitualmente de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador, etc.

HISTORIA

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical que tenga atractivo popular.​ A partir de la década de 1950, el término música pop se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll.​ Según el musicólogo T. Warner, a raíz del auge de los artistas británicos de la conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible.​

Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, sino que configura un género con una existencia y desarrollo separados.

A lo largo de su existe
ncia, la música pop ha absorbido influencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop de los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma, tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz, el country y el rock su instrumentación, de la música clásica su orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del hip hop elementos rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del rap.

La era del swing hizo estrellas de muchos cantantes populares, incluidos Frank Sinatra, Dinah Shore, Jo Stafford, Perry Como, Peggy Lee, Patti Page y David Whitfield. Al Jolson fue la primera personalidad mediática musical en todo el mundo ,Jolson es considerado uno de los entes musicales más importantes del panorama musical, fue el artista Best-Seller de las décadas 10s -30s, la importancia de Jolson en la música popular es inherente ; impuso el estilo vodevil que se caracterizaba por una interpretación vigorosa y enfática de los temas musicales, un estilo muy peculiar de principios del siglo xx hasta la llegada de los años 30s.

Bing Crosby, el rey del Pop en aquel entonces y el primero en ostentar ese seudónimo, ya se había establecido como el cantante más popular en todo el mundo en la década de los 40s. Dos innovaciones notables fueron la adición de secciones de cuerda y arreglos orquestales y un mayor énfasis en la interpretación vocal y fraseo.

La adición de cuerdas exuberantes se puede escuchar en gran parte de la música popular durante las décadas de 1940 y 1950. A principios de la década de 1950, cuando el dominio del swing dio paso a la era de la música pop tradicional, muchos de los vocalistas asociados con las bandas de swing se hicieron aún más populares y fueron figuras centrales en la música popular.

CARACTERÍSTICAS

Los musicólogos suelen identificar unas series de características muy típicas del género de música popular: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos.

El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo de entre tres y cinco minutos de duración, generalmente marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo afín a la corriente dominante, y una estructura tradicional y simple.

Las variantes más comunes son la estrofa, el estribillo y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las melodías pegadizas y un estribillo que contrasta melódica, rítmica y armónicamente con la estrofa.

El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado.​ Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en temas de la vida cotidiana entre ellas las relaciones amorosas, las experiencias personales y los temas sociales, entre otros.

La armonía de la música pop coincide con la de la tonalidad europea clásica, utilizando a menudo los ciclos de subdominante-dominante-tónica, aunque también con influencias frecuentes de la escala de blues.

El video a continuación es un ejemplo de las canciones del género de música pop: